Puesto que RÜFÜS DU SOL siempre ha estado asociado a los grandes festivales, el sonido que abre Surrender, su cuarto álbum, sorprende por su cruda sencillez: un acorde de piano que se repite en una habitación vacía. La canción se llama “Next to Me”, y puede parecer un gesto modesto, pero es muy simbólico para una banda que tuvo que romperlo todo y empezar de nuevo. Cuando se preparaba para celebrar su décimo aniversario, llegó la pandemia. Con todo, hubo algo positivo. Los músicos de origen australiano aprovecharon el tiempo de cuarentena no sólo para crear nueva música en su hogar espiritual de Joshua Tree, en California, sino para reparar una dinámica personal que daba muestras de agotamiento después de una década vertiginosamente productiva. “Tuvimos tiempo para cuidarnos un poco más”, cuenta a Apple Music el tecladista Jon George. “A medida que trabajábamos en nuestra relación y creábamos una rutina y estructura, las canciones empezaron a sonar más alegres y a reflejar el momento que estábamos viviendo”. El resultado es un álbum en el que RÜFÜS DU SOL mantiene una fluida combinación de house clásico, indie pop íntimo y rock alternativo vanguardista, impulsado por una energía positiva más palpable que nunca. Aquí George, el baterista James Hunt y el cantante y guitarrista Tyrone Lindqvist nos guían pista por pista en este viaje de Surrender hacia la luz. Next to Me Jon George: “Sonaba como un arranque perfecto para el disco. La desnudez del piano era el resumen del lugar donde estábamos. Nos divertimos mucho al poder presentar las melodías al desnudo, sólo con la voz y el teclado, para ver si funcionaban en su forma más pura”. James Hunt: “Ty intentó cantar la canción a capela en su boda, y no pudo hacerlo porque fue demasiado conmovedor”. Tyrone Lindqvist: “No tenía pensado hacer eso cuando escribimos la canción, pero me pareció algo bonito para nosotros en ese momento. Me costó cantarla porque la imagen que capturaba era muy real”. Make It Happen JH: “Al principio del proceso de composición en Joshua Tree, teníamos una rutina en la que hacíamos ejercicio todas las mañanas escuchando nuestros álbumes de dance favoritos, viejos discos de Moby, Röyksopp, Mylo y Justice. Un elemento recurrente en muchas canciones eran los coros infantiles con instrumentales de sintetizadores analógicos más oscuros. Más adelante, estábamos escribiendo con Jason Evigan en su estudio con la idea de crear un mantra muy simple, como ‘All You Need Is Love’ de The Beatles. Tyrone y Jason estaban desarrollando esa idea mientras Jon y yo trabajábamos en el beat y la percusión en una onda muy house. Al final todo encajó, y nos dimos cuenta de que la canción era perfecta para que la cantara un coro infantil”. See You Again JG: “Esta canción surgió en la fase final de la composición, cuando las cosas estaban un poco más tranquilas. Fue la que terminamos en menos tiempo, el esqueleto estuvo listo en un día. Incluso las voces y melodías quedaron como nos salieron en ese momento. James y yo hicimos sesiones de DJ durante la pandemia y la canción refleja esa experiencia”. I Don’t Wanna Leave JH: “Esta es otra canción en la que trabajamos con Jason Evigan. Empezó casi como algo de Bon Iver, con un falsete ascendente en el coro. Teníamos una parte que sonaba muy etérea y onírica, con una voz hermosa, y decidimos contrarrestarla con una programación de batería dura y arriesgada, con samples de golpes de madera y muchas percusiones estridentes. Nos pareció una combinación interesante”. Alive (Reprise) JH: “Muchas de las joyas líricas de Ty surgieron al estar improvisando partes instrumentales para crear un estado de ánimo y una emoción. Recuerdo que comenzamos esto aproximadamente un mes antes de la pandemia. Le puse a Ty ‘Anvil’, una canción de un artista que se llama Lorn, una pieza electrónica hermosa, extraña y retorcida, que suena como si estuviera partiéndose y destruyéndose, y tiene estos arpegios ascendentes. Queríamos usar un broken beat para darle esa onda retro rave de los 90. Con la llegada de la pandemia, la letra tomó otro significado”. TL: “Esta canción fue como la luz al final del túnel. Pasamos momentos difíciles hablando de sentimientos incómodos y del resentimiento que había entre nosotros, hasta que reconectamos como una unidad y nos ilusionamos con la idea de salir de gira juntos otra vez”. On My Knees JH: “Este tema empezó siendo más bien una improvisación techno y el sonido del bajo pulsante me recordaba a ‘Sweet Dreams (Are Made of This)’ de Eurythmics. Después fue evolucionando y adquirió una nueva identidad. Cortamos las voces de Ty con un Kaoss Pad, que es un truco que utilizó Radiohead cuando escribió Kid A. Nos gustaba la idea de que la canción tuviera una estructura más impactante”. Wildfire JG: “La escribimos en la época de Solace (2018). Sabíamos que había una canción increíble allí, y sólo necesitábamos más tiempo para encontrar su identidad. Al apoyarnos en esa influencia de Nine Inch Nails, sobre todo en ‘Hurt’, pudimos darle cuerpo y aportar algo de oscuridad y elementos retorcidos al tema, y despojarnos de los elementos más pop de su estructura anterior. Realmente resalta la potencia de la canción y la belleza de las voces. Es una canción que te deja sin aliento”. Surrender JH: “La idea era que fuera una canción sanadora. Empezamos con la parte del mantra, que era algo con lo que habíamos estado improvisando en 2020, aunque entonces tenía otra identidad, acordes diferentes y un beat completamente distinto. Después, en 2021, estábamos trabajando en una canción con más ritmo y unas partes arpegiadas muy delicadas, con una voz de house que había hecho Ty y que es la parte que está en medio de la canción. Así que unimos las dos cosas y creamos una especie de Frankenstein”. Devotion JH: “Estuvimos en Joshua Tree dos meses y medio al principio de la pandemia. Cuando volvimos a Los Ángeles, seguimos escribiendo y nos íbamos a pasar el día a Malibú para componer. Esas escapadas a los acantilados, a tomar el sol, fueron muy interesantes e informativas para nosotros. En ese momento, empezamos a explorar emociones más ligeras con la música, y las letras seguían la misma dirección. Nos divertimos mucho con esta canción. En el break intentamos imaginar una atmósfera acuática, que los sintetizadores sonaran como si estuvieran hechos de agua”. Always TL: “Es un buen resumen de la experiencia de hacer el álbum, de confiar en el proceso, porque hubo muchos cambios en el aspecto creativo, en nuestras vidas personales y en la relación de amistad. Además, estaba la incertidumbre de no saber si íbamos a poder hacer canciones trabajando en una estructura de nueve a cinco. Teníamos miedo de no encontrar las joyas. Para mí, esta canción captura esa fe y esa confianza”.