“Quería volver a las canciones que me apasionaban. Contar las historias a mi manera y a través de mis propios paisajes sonoros”, comenta RAYE a Apple Music sobre su primer álbum, My 21st Century Blues. La cantante de Londres tuvo que esperar más que la mayoría para hacerlo. En junio de 2021, afirmó en redes sociales que no le habían “permitido” publicar un LP, a pesar de haber firmado un contrato de cuatro discos siete años antes. Además, no estaba contenta con la forma en que se estaba gestionando su música. Poco después dejó su sello discográfico y lanzó este álbum como artista independiente. RAYE dice que necesitó mucha introspección, terapia, perdón y reflexión después de esto. “Quería regresar a las canciones que me apasionan”. RAYE ya había compuesto la mitad de los temas de My 21st Century Blues. Los demás, en su mayoría, son nuevos. Los escribió después de irse a una cabaña en Utah con su productor y amigo Mike Sabath, armada con una larga lista de temáticas para trabajar, que se reflejan en algunas de las letras más sustanciosas, como “Body Dysmorphia.” y “Environmental Anxiety.”. El álbum aborda sin tapujos experiencias traumáticas como la violencia sexual, el abuso de sustancias, los trastornos alimenticios y la presión que RAYE ha sentido como mujer en la música. Durante el proceso exploró una variedad de géneros que van del trip-hop a la danza hipnótica, el dancehall, pop cinematográfico, góspel, blues y más. Dice que llegar a este punto se siente como una hermosa validación cercana a sanar. “Todo en este disco es como una medicina para mí. Estoy tan emocionada por la artista en la que me he convertido. Ha marcado la pauta para mí, al descubrir el potencial que tienen mis historias”, comenta. Sigue leyendo mientras RAYE nos habla de su esperado debut, canción por canción. Introduction. “Antes de los sintetizadores y la electrónica, era todo un espectáculo. Una banda de verdad con alguien que cantaba con un bonito vestido o traje. Quería que la gente se sintiera como en un club de blues o de jazz al escuchar la música, que escucharan las canciones y se embarcaran en un viaje”. Oscar Winning Tears. “La versión que se escucha ahora ha cambiado forma desde el demo original. Escribí la canción después de que un hombre al que conocía y en el que confiaba alterara mi bebida en una fiesta. Y él lloraba en mi cara, era la víctima. Cuando terminamos la canción, supe que tenía que ser el principio del disco. Creo que el concepto inicial y la historia se fusionaron a la perfección en una hermosa medicina para mí. Fue liberador”. Hard Out Here. “Si la historia o el sentimiento me queman el pecho, tienen que salir a la fuerza. Eran rabia y dolor fluyendo. Cuando hice el verso sobre directores ejecutivos y los privilegios de la gente blanca (‘All the white men CEOs, fuck your privilege/Get your pink chubby hands off my mouth/Fuck you think this is?’ [‘A todos los directores ejecutivos que son hombres blancos, que se jodan sus privilegios/Quiten sus manos rosadas y regordetas de mi boca/¿Qué carajo creen que es esto?’]), mi ingeniero estaba sorprendido, pero yo lo animé a hacerla. Esta canción era una promesa a mí misma de que estaría mejor. Es difícil explicar con palabras lo que he pasado, porque ha sido mucho y durante largo tiempo. Creo que hice un gran trabajo conteniéndome. Algunas de las cosas que me dijeron y la forma en que me manipularon emocionalmente son muy oscuras”. Black Mascara. “Acababa de volver del lugar donde ocurrieron estas agresiones y no estaba bien. Fue justo después de que saliera ‘BED’ (el éxito de 2021 de RAYE con Joel Corry y David Guetta), así que tenía que vender la imagen de chica pop. En ese momento, tenía luz verde para hacer un álbum antes de que cambiaran de opinión por última vez. Toqué algunos acordes y sonaron muy vampíricos y medievales. Tenía la frase ‘Once you see my black mascara/Run from you’ (‘Una vez que veas mi rímel negro/huirás de ti’) y así fui construyendo la letra alrededor de eso. Teníamos una sesión al día siguiente, pero la cancelé porque no me sentía bien, así que no escuché la canción hasta unas tres semanas después. Le di play y sonaba como ahora. La puse en repeat”. Escapism. “Creo que esta canción me ayudó a superar algunos de los capítulos más oscuros de mi vida. Mike puso este beat en el auto y empecé a rapear cosas agresivas. Sabía exactamente qué historia quería contar. Cuando llegamos a Utah, fui al baño y le pedí a Dios que me ayudara a encontrar la mejor letra posible. Luego tomé el micrófono y todo salió muy rápido, quizá en una hora y media. Todavía estoy procesando el éxito de este tema, porque no lo esperaba en absoluto. No se trata de buscar el éxito general ni de tener discos en las listas. No tiene nada que ver con eso”. Mary Jane. “Soy una persona de todo o nada en mi vida. Así que, cuando aparece algo peligroso, la cosa puede ponerse muy mal. La letra es oscura, pero el abuso de sustancias puede llevarte a este punto. Es una canción de amor con un sentimiento de inquietud detrás de la música. Quería que se sintiera incómoda”. The Thrill Is Gone. “Esta canción existía desde hace tiempo, pero al principio era completamente diferente. Siempre quise volver a cuando fue escrita por primera vez. La grabamos en cinta y la hicimos en el Valentine Studio de Los Ángeles, que tiene paredes alfombradas y me pareció una auténtica muestra de cómo se creaba la música antes. Grabarla fue una experiencia hermosa. La historia es clásica, pero la imagen que tengo en la cabeza es tan distorsionada, moderna y extraña. Me encanta lo que hicimos con ella”. Ice Cream Man. “Para mí es la canción más difícil del álbum. Hay tanta complejidad en lo que te quitan, en lo que te afecta y cambia después de un trauma y de la violencia sexual. Te roban tantas cosas. Te enfrentas a tantas interrogantes, porque pienses que es culpa tuya o estabas en el lugar equivocado o que quizá estés exagerando las cosas. Se convierte en algo horrible con lo que tienes que lidiar el resto de tu vida por culpa de las acciones estúpidas y repugnantes de otra persona. Creo que, por lo menos, estoy proclamando lo que soy y que estas cosas no deberían definirnos para siempre. Este tema es para mí y para quienquiera que esté escuchando y lo necesite. Quería que fuera muy íntimo, con ese zumbido que entra al principio y esa batería filtrada. Y al final, está este momento para sentirte hermosa con tus lágrimas, para levantarte, salir de la habitación y continuar con tu día”. Flip a Switch. “Trabajé con Stephen McGregor (también conocido como el productor Di Genius), una leyenda del dancehall. Produjo muchas de las canciones que escuché en mi infancia, así que aportó su estilo y sabor al sonido. Estaba en una relación incipiente y había decidido entregarme. Me sentía segura, pero luego resultó que me estaba dando falsas esperanzas. Estaba muy enojada, así que decidí hacer un tema sobre él. Sacar todo el drama. Fue muy enriquecedor poner en una canción todo lo que me habría encantado decirle a la cara. Luego la escuché toda la semana”. Body Dysmorphia. “Llevaba tiempo posponiéndolo. Era el último día en Utah y sentí que tenía que hacerlo. Quería que se sintiera sexy, de una manera extraña. Así que empezamos con estas cuerdas rasposas y realmente incómodas. Luego tienes esta batería suave que, si ignoraras la letra, probablemente te daría una sensación un poco lenta. Era un flujo de conciencia. Las cosas de las que hablo en esta canción pueden manifestarse de formas muy feas y ejercer un poder muy intenso sobre ti. Creo que la mitad de la fuerza de esta canción consiste en decirlas en voz alta”. Environmental Anxiety. “Me dedico a la música, pero todos podemos ver el estado del mundo y saber con claridad que las cosas están mal. Sin embargo, la crisis climática está fuera del control de las personas comunes. Hace falta que los gobiernos se suban los pantalones y promulguen leyes para mejorar el clima. Prohibir los tenedores de plástico está muy bien, pero ustedes, quienes hacen las políticas, están haciendo un daño muy grave. Pensé que haría una canción sobre eso, y quería sacar esa rabia porque eso es lo que el gobierno hace con la gente. Quería esa energía inquietante e infantil que te atrae, pero también una batería punky y extraña”. Five Star Hotels. (feat. Mahalia) “Esta canción existió durante mucho tiempo y siempre me encantó. Era una forma de sentirme sexy. Se la enviamos a Mahalia, y cuando me mandó su verso sentí que éramos dos chicas con sueños que han trabajado muy duro desde jóvenes. Me pareció la persona adecuada. Crear este tipo de música me ha empoderado”. Worth It. “Pensé en lanzar este tema hace mucho tiempo. A veces quieres dejar atrás los malos momentos y empezar a trabajar en algo porque se siente bien. Quería tener esta canción cerca del final del álbum, como un cálido abrazo cuando superas la oscuridad. La ironía estuvo en ponerla justo antes de ‘Buss It Down’, ¡porque no funcionó!”. Buss It Down. “Es la yuxtaposición entre los sentimientos góspel y una canción triste. La decisión de estar soltera da poder y creo que es algo importante que decir. Está bien serlo y alegrarse por eso. Puede ser algo bueno”. Fin. “Quería que el público aplaudiera al final de ‘Buss It Down’, que fuera un momento de agradecimiento. Es un cierre personal. Estoy muy orgullosa de este álbum y agradecida de que la gente escuche este final. Soy una persona que ha reunido algunas historias y me emociona lo que viene. Me ha llevado mucho tiempo llegar a este punto, pero ya estamos aquí. Y la alegría de poder compartir esta experiencia es realmente conmovedora, porque ha tardado mucho en llegar”.